Sorolla traspasa los sentidos: vitalidad, luz, movimiento, belleza...
Sus cuadros rebosan alegría de vivir, deleite infantil, claridad, regocijo. Todo esto nos lo trasmite por medio de su tratamiento del color, único en la historia del arte. Estos colores siempre van mezclados con mucho blanco, como si su pupila estuviera casi cegada de tanta luz; Sus trazos maestros, sueltos, elásticos y vigorosos aportan el dinamismo que hacen de cada pintura una instantánea vívida y fresca. Pero es esa irradiación de luz pura del mediterráneo, siempre transparente y entusiasmada, captada con absoluta precisión y derramada por todos sus cuadros, lo que convierte estas imágenes en algo trascendente.
Otra característica de sus cuadros es el punto de vista que toma: se trata de una mirada realista y sólo idealizada por su lírico sentido del color. Los personajes son observados desde afuera y fusionados al paisaje, como en una novela costumbrista. La mirada de niños, mujeres y hombres no suelen dirigirse al pintor, con lo que nos convertimos en espectadores externos de un mundo en que las personas ríen, juegan, conversan, y avanzan en su día a día, satisfechas de sí mismas y en perfecta comunión con el mundo. La belleza de los cuadros de Sorolla es muy llamativa, pero no es estática, rígida o decorativa, como en tantos cuadros realistas de su época, sino que su pincelada particular la dota de una vitalidad y un ritmo contagioso.
Sorolla es para contemplarlo con la mente en blanco, abierta a las ondas del color más armonioso, fluido y vibrante. Nunca hubo tanta alegría radiante en la pintura.
Gauguin es inclasificable. Es simplemente él, pintando a su modo, sin concesiones a la moda de su tiempo, con absoluta libertad, y con el placer de ser el único dueño de su arte. ¿Es quizá su lenguaje propio, espontáneo e íntimo lo que nos fascina?
Gauguin no pinta la naturaleza, el paisaje y las personas de un mundo ideal; pinta las vibraciones de su alma en un entorno ideal. Plasma los colores que capta su retina, envueltos en la música anhelante de su mundo interior; ésa que le brota, a veces con paz y otras con melancolía o nostalgia de una realidad imposible. Las mujeres de su isla, tan retratadas, no son tales: posan para él. Son figuras que posan, regalándole sus formas y colores para que él las transforme en poesía. Ellas forman parte de su ideario interno como formas dispuestas en una gran composición perfecta. Ese mundo hermoso, que escapa de todas sus pinceladas, obedece al emotivo paisaje de su mente, el cual va tomando de la naturaleza y de las gentes sencillas, el gesto, la forma dulce, libre y entregada.
En todas sus originalísimas composiciones vemos un ritmo lento y profundo, como detenido en el tiempo; un color evocador que es una delicia para los ojos. Sus cuadros nos trasmiten calma y encanto, pero también late, en algunos de ellos, una chispa de amenaza, o quizá inquietud, como si la belleza desnuda pudiera quebrarse de un momento a otro.
En definitiva, contemplando sus cuadros, siento desprenderse una melodía lírica y pausada, que va dejándome un regusto a verdad, a ensueño, a ideal vibrante.
Vértigo. Leon Spilliaert El sueño. Pierre Cecile Puvis de Chevannes
El día (una figura). Ferdinand Hodler
Orfeo. Odilon Redon
La sensación. Ferdinand Hodler
La esperanza. George Frederick Watts
El
símbolo abre puertas. Y los simbolistas lo sabían. Tomaron símbolos
universales: el amor, la muerte, la soledad, el más allá, Dios y el diablo... y
les dieron formas. Cada forma debía sugerir un río de sensaciones; debían tocar
lo profundo y despertar una pequeña exaltación en el alma del espectador; o
levantar una montaña de misterios; o llevarle al porqué de su propia
existencia.
La
imagen ya no reproduce; ahora evoca. Es una flecha que dispara emociones, o
despierta al búho del inconsciente.
El
simbolismo enraiza en el romanticismo, pero prescinde de su lirismo enardecido
y sentimental y va directo al impacto. Nos trae ideas; las intelectualiza, pero
sobre todo las poetiza, transformándolas en sueños (o pesadillas). Se inicia
así un camino que puede transitar lo oculto o el lado profundo de la mente.
No
todos los pintores usaban símbolos universales; algunos recurrían a una
simbología propia, interna, hermética y cargada de tensión, con lo que nacían
pinturas extrañas y fascinantes.
Tras
estos delirios pictóricos resurgirá el realismo con su intento de volver los
ojos al mundo material, al detalle concreto y palpable. Pero la puerta de la
subjetividad,los sueños, la emoción y
la irracionalidad ya ha quedado completamente abierta. El camino que asoma a lo
lejos tiene piedras y árboles inimaginables, pero sin duda será recorrido con
asombro por surrealistas, dadaístas, futuristas, abstractos, metafísicos,
neorrománticos y todos aquellos que enarbolan la bandera de la fantasía.
Estos grabados pertenecen a una de las obras más hermosas publicadas sobre animales microscópicos e invertebrados. Cada grabado es de una perfección sin igual. De ellos fascina su armonía compositiva y la asombrosa diversidad de las formas naturales que presenta. Todo un placer visual e intelectual.
La obra que los contiene es "Kunstformen von der Natur" o "Formas de arte de la Naturaleza" del biólogo evolucionista alemán Ernst Haeckel, 1834-1919. En total realizó 100 láminas en las que figuran varios miles de especies.
Ambos son muy diferentes, pero los dos confluyen en la magnitud de su inspiración y su peculiar
originalidad.
Los dos llevaban en su ser la fuerza de la inmensa ola del romanticismo que atravesó el siglo XIX.
WILLIAM BLAKE
Isaac Newton
La Divina Comedia
Abel
Cantares de Inocencia
Un árbol envenenado (Cantos de Experiencia)
Jerusalen
Paraíso Perdido. Milton
Jerusalén
WILLIAM BLAKE: Misticismo
Los dibujos de Blake son como una llama ardiente: él es asombroso, espiritual y a la vez extraño. Su mundo te invade tanto con la pasión de sus colores como por su trazo conmovido.
En los grabados iluminados de Canciones de Experiencia e Inocencia, enternece ese toque íntimo, casi familiar, que trasmiten las láminas cuando las ves, con sus bordes algo manchados y sus trazos decorativos invadiendo las palabras. A menudo contemplamos un ímpetu precipitado que se impone sin detenerse en detalles o precisiones. Es la furia de la pasión de Blake, que se cuela entre las dulces curvas y los vivos colores.
Las ilustraciones de "La Divina Comedia" de Dante, "El paraíso Perdido" de Milton o La Biblia, son más simbólicas y contundentes. Impresionan hasta la perplejidad por la fantasía de sus escenas, las torsiones expresivas de los cuerpos, las composiciones audaces en las que los personajes dialogan, a veces como exclamaciones vivas, con los dioses, el destino o el enigma de la vida. Y de fondo, siempre, tonos sobrios y misteriosos, que junto al dibujo inflamado de Blake, contribuyen a crear una poderosa llama mística.
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"William Blake (1757 – 1827) fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian,
«William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido».
"Su obra, fantástica en todos los sentidos, no puede entenderse si no es de forma conjunta con sus visiones y sus particulares creencias, del mismo modo que sus grabados no pueden entenderse sino de forma conjunta con sus poemas. De hecho, Blake consideraba esas dos facetas de su arte como un Uno indisoluble. Para su desgracia, no fue apreciado por sus contemporáneos, y no fue hasta la segunda mitad del siglo XIX cuando comenzaron a admirar sus bellas creaciones." De Javier García Blanco: http://arssecreta.com/?p=266
...Sobre sus pinturas iluminadas:
"...En 1788, Blake comenzó a experimentar la técnica del aguafuerte, método usado para ilustrar la mayoría de sus libros de poemas. Este proceso es también denominado como impresión iluminada y lo que produce, libros iluminados o impresiones iluminadas.
La impresión iluminada implicaba escribir el texto de los poemas en planchas de cobre con plumas y cepillos, usando un medio resistente al ácido. Las ilustraciones podían aparecer junto al texto de igual modo que los manuscritos iluminados medievales. Luego bañaba las placas en ácido para disolver el cobre no tratado y dejar únicamente el diseño. Las páginas impresas con estas placas tenían que ser recoloreadas a mano con pinturas al agua y después se cosían para formar un volumen. Blake utilizó esta técnica en cuatro de sus trabajos: Canciones de inocencia y de experiencia, The Book of Thel, El matrimonio del cielo y el infierno y Jerusalem."
Wikipedia
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La mosca
LA MOSCA
Pequeña mosca,
tu jugueteo veraniego
fue truncado
por mi descuidada mano.
¿No soy yo
una mosca como tú?
¿O no eres tú
un hombre como yo?
Porque bailo
y bebo, y canto
hasta que alguna mano ciega
me barre el ala.
Si el pensamiento es vida,
fortaleza y aliento;
y la carencia
de pensamiento es muerte;
entonces yo soy
una mosca feliz,
ya vivo, ya muerto.
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(W. Blake: Cantares de Experiencia)
El anciano de los días
“Si las puertas de la percepción se purificasen, cada
cosa aparecería al hombre como es, infinita.
W. Blake
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GUSTAVE DORE
La Divina Comedia: Infierno
El Quijote. Sancho Panza y su burro
Don Quijote
El Quijote
La Divina Comedia: El Purgatorio
La Divina Comedia: El Infierno
El Paraíso perdido (detalle)
La Biblia
Paraíso Perdido
Paraíso perdido (detalle)
La Divina Comedia: Dante y Beatriz en el Paraíso
GUSTAVE DORÉ: El dibujo hecho vida
Paul Gustave Doré (1832 –1883) fue un artista francés, grabador e ilustrador.
Decir Doré es decir el arte del grabado llevado a su máxima expresión. La belleza de este técnica basada en líneas, degradados monocromos y contrastes se sublima con el dinamismo y la creatividad de este genial artista. Porque si algo nos impacta de él es la fuerza vital que tienen sus personajes, a menudo enmarcados en una descomunal naturaleza. Las mejores de sus obras nos ofrecen escenas vivas donde se agitan las pasiones humanas bajo la belleza soberbia de los elementos. O se empequeñecen ante fuerzas sobrenaturales agigantadas. En ilustraciones como las de "La Divina Comedia" de Dante, o "El paraíso perdido" de Milton, el romanticismo se cubre, además, de un bello toque de trascendencia.
Sentimientos de coloso, imaginación desbordada y una maestría sin igual en el dibujo hacen que las obras de Doré se sitúen entre las más hermosas del arte del siglo XIX y de toda la historia de la ilustración.
